jueves, 24 de diciembre de 2009

El Segundo Renacimiento: Análisis semiótico.

¿Qué es el cine sino una mentira que encubre una verdad? ¿Y qué es la verdad sino una adecuación del pensamiento con la realidad? El Segundo Renacimiento (Parte I) (Maeda, 2003), cinta de animación escrita por los hermanos Wachowski y perteneciente a la colección de historias titulado “The Animatrix”(Wachowski, 2003), busca explicarnos a través del formato de cortometraje la historia detrás de que detona los acontecimientos presenciados en las cintas pertenecientes a la trilogía de películas” The Matrix” (Wachowski, 1999). La idea de la saga es ya bien conocida: La realidad que conocemos es una ilusión creada por máquinas del futuro. Una realidad que es necesaria para mantener en funcionamiento a los seres humanos quienes no son para las máquinas sino baterías orgánicas desechables. El hombre, no es más que un instrumento. ¿Cómo se llegó a ese punto? ¿Cuál es el origen de las máquinas? Es lo que “El Segundo Renacimiento (parte I) busca resolver. Sin embargo, no es un análisis argumental el que habremos de desarrollar a través de estas páginas, sino uno semiótico que intenta desenmascarar el verdadero mensaje detrás de la narración. El mito detrás de la historia en donde las máquinas son puestas como seres inocentes, víctimas de la envidia y avaricia humana. Y para ello, haremos uso de las teorías Gestalt, la generación de la constelación de atributos armada por Abraham Morris y los niveles de análisis del texto visual de Lorenzo Vilches (1984).
Para comenzar hemos de definir nuestra estructura comenzando desde lo más fundamental hasta lo más complejo. Este primer nivel de producción material, estará conformado por un primer “vistazo” de la cinta: los colores y formas que desfilan ante nuestros ojos como primeros indicadores de un elaborado código visual lleno de un intuitivo significado.
“El Segundo Renacimiento (Parte I)” Mantiene una viva paleta de colores, cuyas constantes son las tonalidades de grises mezcladas con tonalidades cálidas como el naranja y rosa. El azul es un color que también se encuentra presente en diversas tonalidades. El verde, por su parte, se hace presente en las escenas más violentas de la cinta.
Las formas de los dibujos, es también una cuestión a destacar, pues las formas que predominan en la narración son tanto el círculo como el cuadrado. Los contornos son suaves y definidos, sólo formando las siluetas de los personajes y los elementos internos de su ilustración que nos ayudan a comprender sus formas y movimiento. Plastas sólidas de color son usadas con un nulo difuminado. Sólo los fondos son coloreados bajo ésta técnica, permitiendo destacar a los personajes a través de su diferenciación de estilo respecto a su entorno.
En lo que concierne a los niveles diferenciales de la imagen, las formas comienzan a tener un sentido y un significado a través de una sintaxis visual. Y es aquí donde resulta pertinente hacer una distinción de personajes que, a través de la narración resultan polarizados en dos diferentes puntos de vista: la humana y la mecánica. Mientras que los humanos y su mundo resultan visualizados con formas rectas y cuadradas (estables), el mundo de las máquinas es articulado a través de formas circulares suaves (cálidas, con una sensación de movimiento). Sólo el personaje Robot Asesino, es mostrado con formas triangulares que denotan conflicto.
Respecto a las secuencias de escenas, cabe destacar la construcción de éstas en cuestión de estética. Mientras que en el primer acto de la historia (cuyo giro es el asesinato cometido por una máquina) predominan las formas cuadradas, en el segundo acto (el conflicto con las máquinas) será articulado a través de puestas en cuadro triangulares.
Hasta este punto, la exposición consciente de las formas y colores dominantes en las imágenes que articulan la historia, nos da una serie de indicios hacia la dirección que ésta toma y, hasta cierto grado, el punto de vista de los autores respecto a su mundo y personajes. Sin embargo, con todo esto, no es posible sacar conclusión alguna sino es en la continuación de este viaje a través de los niveles presentes en texto visual. El siguiente nivel, conocido como “sintagmático” da un mayor sentido en la articulación de las imágenes con la historia que es narrada, pues en lo que concierne a la expresión de los personajes, son las máquinas las que se mantienen siempre como un constante punto de fuga. Toda la construcción espacial de la cinta está en función de centrar la historia en ellas como protagonistas. Nivel de discurso que es reforzado a través de los bloques sintagmáticos con función textual: la historia es descompuesta en dos puntos de vista, que en realidad articulan sólo uno: el de los autores hablando sobre las máquinas. Los tres actos de la historia mantienen una unidad, pues mientras el primer giro argumental es detonado por un asesinado efectuado por una máquina, el segundo será llevado por los humanos hacia las máquinas. La historia es “redonda” en términos argumentales (incluso en términos gestálicos: la historia obedece la ley del cerramiento), y los puntos de vista mostrados a través de la narración son funcionales en tanto que hacen avanzar la historia hacia su resolución y, a través de ella la puesta en escena de las ideas de los autores respecto a su obra. Cabe destacar en este punto que las máquinas mantienen una postura de víctimas. Son los “buenos de la historia”: sus formas redondas y amables lo confirman y, en contraposición, el ser humano es el villano de la historia.
Situación que nos lleva a dar un salto hacia el quinto nivel del discurso textual: Los niveles intertextuales. Es en este nivel donde todo lo anteriormente expuesto se articula en un todo significativo. Y para comenzar con el análisis de este apartado, hemos de concluir con naturalidad que, todos los elementos visuales no son más que significantes que, en la articulación con su significado nos elaboran un signo que en un momento determinado podremos elevar a la calidad de mito. Tanto los colores, como las formas nos hablan de algo más que sí mismos: el conflicto humano- máquina, que en realidad no es más que el conflicto del humano contra sí mismo, puesto que las máquinas son obras de sí mismo. No es una historia de libertad, opresión o de derechos, sino un cuestionamiento respecto a una creciente deshumanización. Las maquinas necesariamente tienen que ser las víctimas en esta historia pues no son sino objetos que resienten las consecuencias de las caóticas emociones humanas (por ello sus formas tan suaves, e inofensivas). Las máquinas representan esa otredad de la que tanto hablan los filósofos, el Zombie mental que luce como un humano, se comporta como uno pero no piensa ni siente como tal. Y lo que se concluye, al menos en esta primera parte de “El Segundo Renacimiento” es que el daño que el hombre hace, se lo hace así mismo. Sus propias obras son reflejo de sí mismo. Por ello es tan importante el papel de Neo en las demás cintas de acción real en formato de largometraje: lo que se restablece es la humanidad del hombre frente a su obra.

Bibliografía:
The Animatrix: The Second Reinassance. Recopilado de http://www.intothematrix.com/ 7 de diciembre de 2009.
The Animatrix: The Second Reinassance. Recopilado de http://www.imdb.com/title/tt0366179/ 7 de diciembre de 2009.

4 comentarios:

Ponxo dijo...

Es una maravilla ese corto de Animatrix. Mi favorito. Personalmente me encanta la parte de la destrucción del cielo. En fin, hace mucho que la vi, asi que tendria que volver a verla para dar una opinion certera. Saludos.

nicolas barra dijo...

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Tyndall Lanny dijo...

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